¿Pintar como arte?

Hola les dejo un texto que quizás les interese, es un poco largo pero vale la pena. Es el texto base para el próximo taller llamado 10.000 botellas de Old Parr:

¿Pintar como arte? (Painting as art?)
Por estos días uno escucha frecuentemente decir que la pintura contemporánea (o por lo menos la pintura contemporánea relevante) es esencialmente conceptual. ¿Pero qué significa esto? El titulo de este escrito hace eco al titulo de un libro escrito por el crítico y filósofo ingles Richard Wollheim, “Pintar como un arte” (Painting as an art). Pero miremos la diferencia entre éstos: La diferencia implícita entre pintar como arte y pintar como un arte se refiere a la posibilidad de diferenciar entre “arte” en general por un lado y varias bella artes, donde pintar es una de ellas. Entonces se refiere a la preguntas que el filosofo francés Jean-Luc Nancy postula al comienzo de su ultimo libro: “¿Por qué hay varias artes y no solo un arte?”.
O para ponerlo de otra manera, ¿por qué, sobretodo hoy día, necesitamos libros sobre pintura y no simplemente libros sobre arte? Después de todo, desde los finales de 1950s algunos artistas, como Thierry de Duve decían que sentían la necesidad de “producir arte genérico, esto es, arte que haya cortado sus lazos específicamente con la tradición artesanal de la pintura y la escultura”. Los artistas que comenzaron a producir Happenings y Enviroments alrededor de los finales de 1950s ( Allan Kaprow, George Brecht, Red Grooms, Robert Whitman, etc.) estuvieron entre los primeros de éstos, pronto fueron seguidos por los profesionales del Minimalismo y el Arte conceptual (Donald Judd and Joseph Kousth, entre otros); pero hoy este deseo por un arte sin limites para cualquier oficio o medio en particular ha resultado general. Esto puede ser visto, por ejemplo, en el hecho en que cada ves menos escuelas de arte exigen a sus estudiantes inscribirse en los departamentos de pintura, escultura, o grabado; en la nueva “des-cualificada” academia, hay un nuevo departamento general que , dice, artes visuales, cuyos estudiantes esperan aplicar la técnica que sea más apropiada para el proyecto dado. Para entender la situación de la pintura hoy, es importante revisar el final de los 1950s y 1960s, cuando el arte fue redefinido. Pero no debemos pasar por alto la importancia especifica de la pintura en el arte en general, su compromiso, no tanto con los ojos como algunas veces se piensa, sino con el cuerpo de ambos: el hacedor y el observador.
Pero incluso antes de 1950s, el proyecto de un arte más “genérico” ya había estado implícito en la abstracción, sin embargo solo pudieron ser unos pocos artistas – Alexander Rodchenko y quizás Piet Mondrian entre éstos- quienes se habrían dado cuenta de sus implicaciones. Después de todo, el arte abstracto estaba supuestamente dejando al descubierto las estructuras subyacentes de todas las estructuras del arte formal, pero lo más importante, lo que pudo ser llamado las estructuras de deseo. La pintura abstracta dejó manifiesto “el deseo por pintar” de forma general y de la manera más explicita posible. Al hacerlo revelo que todas las pinturas dignas del nombre ya habían sido esencialmente abstractas, de manera inconsciente. Nosotros estamos acostumbrados a escuchar que los Modernistas – El periodo desde los Impresionistas pasando por la abstracción al Arte conceptual- estaban inmersos en la noción de progreso. Si la pintura abstracta represento algún tipo de progreso, fue esencialmente en las formas de conciencia, pero conciencia de algo que siempre fue inherente a la pintura. Así, Clement Greenberg, el teórico del Expresionismo Abstracto, una ves lo anotó “uno tiende a ver que hay dentro de un Viejo Maestro antes de verlo como imagen,” mientras “uno ve un pintor Moderno primero como una imagen.” Pero lo que comienza como una simple diferencia descriptiva resulta, con el siguiente movimiento de Greenberg, ser algo más: La forma moderna de ver, dice él, “es, por supuesto, la mejor forma de ver cualquier tipo de pintura, Viejos Maestros o Modernistas”. En otras palabras, el modernismo tomo lo que estaba implícito en la pintura clásica y lo volvió explicito, eso es, lo trajo a un punto mas articulado de auto-conciencia. Una versión aun más agresiva de esta posición fue tomada por Ad Reinhardt, quien afirmo que la pintura abstracta como la de él era, “la primera pintura sin modales y sin trabas y sin enredos, realmente sin estilo, pintura universal”.
Y sin embargo, por supuesto, la pintura abstracta no era solo más abstracta, más general que otra pintura; Era al mismo tiempo y por contraste, un específico tipo de pintura, un tipo entre los muchos tipos- una adición al vocabulario de la pintura y no necesariamente una revelación de la pintura en su mejor o más básico momento. El hecho que la abstracción siguiera transformándose en algo en particular- un género como la naturaleza muerta, paisajismo, o la pintura histórica – revela su fracaso en comunicar la esencia de toda pintura. Ese proyecto, esa generalización de la pintura, no podía ser cumplido dentro de la pintura.
Que nos trae de regreso los Happenings, el Minimalismo y al arte conceptual. En retrospectiva estos movimientos, especialmente el último, pueden ser vistos como intentos de alcanzar algo que podría ser aun más abstracto y generalizado –más de “nada en particular”- que el arte abstracto. Y como la abstracción, ellos resultaron fracasando en su proyecto totalizador. Incluso el arte conceptual se ha convertido en un género más entre los muchos que constituyen el arte. La abstracción se beneficio por largo tiempo del impulso de sus propias ambiciones incumplidas; por lo menos por un par de generaciones, la pintura abstracta era el lugar donde el gran drama del arte estaba siendo decisivamente jugado. Como resultado, los pintores y escultores figurativos se vieron ellos mismos en una posición defensiva que a menudo tenia un efecto que aminoraba su arte. De manera parecida, hoy el arte conceptual (en el sentido más amplio) y sus varios sucesores mantienen un prestigio residual que no solo proviene de ser un genero relativamente reciente, sino de su original hipótesis de marcha triunfal, la sumatoria de todas las artes, heredado de la abstracción.
Cuando Kosuth escribió en 1969 que “el arte (después de Duchamp) es conceptual (en naturaleza) por que el arte solo existe conceptualmente, el debe haber querido decir es que casi todo lo llamado arte no era arte del todo, por que solo su propio trabajo y el de otras pocas personas califican dentro de su juicio como realmente y auto-conscientemente conceptuales. Pero las palabras de Kosuth resultaron ser verdaderas en una manera que puede ser opuesta a lo que el pretendía significar. Al igual que el arte abstracto reveló que el arte había siempre sido, de alguna manera, esencialmente abstracto, el arte conceptual reveló (o mejor reiteró, ya que es una vieja idea que re retoma por lo menos tan lejos como la observación de Leonardo da Vinci que la pintura es “una cosa mentale”) que todo el arte es conceptual, incluida la pintura.
¿Dónde queda la pintura? ¿Como Arte Conceptual, por lo menos?, ¿Como arte conceptual usando irónicamente conceptos retrogradas? O ¿Todavía tiene la pintura una capacidad especifica de auto descubrirse y explotar? ¿Pintar es arte? O ¿Pintar es un arte?
Barry Schwabsky

Fotos del Laboratorio "Pirateria Sentimental"

Estimados amigos,

Estas son algunas fotos del taller del 5 de Agosto. Les recuerdo que es importante que participen y me escriban para que la plataforma se dinamice con sus comentarios e inquietudes. Gracias

PIRATERIA SENTIMENTAL

Album: Some Girls - Artista: Rolling Stones
Carátula: Pedro Manrique Figueroa

Hola estimados asistentes, 


Como les anuncié en el taller del 5 al 7 de Agosto, decidí abrir un blog como plataforma de diálogo donde compartamos, divulguemos y generemos nuevas estrategias de trabajo para los próximos talleres; espero que participen y colaboren con este espacio. Es importante que se suscriban al blog para que les lleguen las notificaciones, solo deben ingresar su correo y listo.


La idea a partir de ahora es continuar con el ejercicio de "Piratería Sentimental" , que terminemos las carátulas para poder exhibirlas conjuntamente lo más pronto posible, Armando Iguarán se comprometió a gestionar un espacio para tal propósito. Para aquellos que no fueron al laboratorio pero aún así quieren participar o aquellos que quieren saber más sobre el proyecto les dejo este texto del creador e impulsor de este ejercicio, Humberto Junca Casas, con motivo de la exposición que se realizó en La Residencia en Bogotá en el 2009:

"Sobre "Piratería Sentimental" he de decir que la idea surgió pensando en una expo que vinculara varios de los intereses de La Residencia. La exposición la pensé específicamente para ese lugar. En ese espacio alternativo había una pequeña tienda de discos donde se vendían acetatos también; y además el lugar de exposiciones era a la vez un sótano blanco insonorizado para hacer conciertos. De esa unión de música, imagen, arte y vinilos salió la idea. Creo que también tiene que ver con que soy un coleccionista de discos, de acetatos y de CDs. Y muchos de esos discos en vinilo que compré al comienzo, los compré sin conocer su música, sin oirlos; guiado únicamente por la portada. (Un vinilo importado original se compra sellado y no se puede destapar porque pierde su valor.) Claro me pegué unas enhuesadas terribles; pero también hice unos descubrimientos únicos, cuya sonoridad -y lo digo sin exagerar- me cambiaron la vida: Sonic Youth, The Breeders, Fugazi, Unrest, The Residents, Bad Brains...Otro evento relacionado con mi ocurrencia fue encontrarme en el taller de Carlos Bonil un cassette del primer disco de La Pestilencia: "La Muerte: Un Compromiso de Todos". Yo me quedé de una pieza porque pensaba que ese disco sólo lo habían sacado en vinilo y bueno, luego había sido reeditado en CD. Al mirar bien la pequeña portada del cassette me di cuenta que Bonil había dibujado a mano esa carátula y que por tanto, esa era apenas una grabación pirata. Por supuesto, esa copia era también un homenaje, porque se había tomado el tiempo de repetir a mano, artesanalmente, una portada que es una impresión fotomecánica, producida industrialmente. Así, sin duda esa reproducción artesanal y pirata resultaba, para mí, mejor que el original.Todo esto contribuyó a cuajar la idea de hacer "Piratería Sentimental". Eso y cierta curiosidad por saber qué música escucharía, qué carátula escogería cada artista invitado. El título de la muestra se le ocurrío a Felipe Salazar (el dueño de La Residencia), en una de tantas reuniones que tuvimos hablando de copias, sentimientos, imágenes y música."

Recuerden que las directrices para el ejercicio son las siguientes: Reproducir fielmente una portada de un LP o un cd en un formato de 31 x 31 cms. La técnica es libre. 

Album: I get wet - Artista: Andrew W.K.
Carátula: Gonzalo García